From Bernstein to Rachmaninoff

Home -> Latest news -> From Bernstein to Rachmaninoff

Eastern Connecticut Symphony Orchestra kicks off its 2018-19 season

By Lee Howard Day staff writer

l.howard@theday.com KingstonLeeHow

New London – The Eastern Connecticut Symphony Orchestra began its 2018-19 season Saturday at the Garde Arts Center with trapeze-like performances of four distinctive pieces, including three rhapsodies, all of which called for intricate coordination among all four sections of the ensemble.

“It was terrifying,” one member of the orchestra could be heard saying after the performance, which was attended by about 900 people and that began at the new ECSO start time of 7:30, a half hour earlier than concerts of the past.

There were a few wobbles at the beginning as players worked out opening-night jitters, but the overall effect was masterful, as music director and conductor Toshiyuki Shimada drew out all the tempo changes and dynamic variances to enhance the drama.

The highlight of the evening had to be Sergei Rachmaninoff’s “Rhapsody on a Theme of Paganini,” Op. 43, featuring the smoking hot playing of pianist Svetlana Smolina, who came out on stage in a glittering red strapless gown so beguiling that the audience chuckled when she had to adjust her dress to be comfortable enough to sit in front of the keys.

Never letting her concentration waver, Smolina proceeded to pounce on each note with either great ferocity or eager tenderness, majestically alternating between a clump of chords and a cascade of shimmering harplike high notes.

This rhapsody is a real showpiece, with one of the most romantic melodies of all time, and the execution of the work was exquisite, Shimada wringing every last sentiment out the string section while Smolina alternately marched and gamboled up and down the keys right up until the humorous and unexpected ending.

The audience gave Smolina and the orchestra one of the most extended standing ovations ever during an ECSO concert.

The Rachmaninoff piece had been preceded by George Enescu’s “Romanian Rhapsody,” Opus 11, No. 1, a lively and colorful piece that proved very enjoyable, with its danceable Romanian folk melodies influenced by gypsy music, not to mention its frenetic pace. The orchestration included a piccolo solo that burst forth like a teapot whistle and had several members of the audience holding their ears, and later the circus-like tempo full of trumpet wails, cymbal crashes and kettle drum rolls kept the audience fully engaged, except for a brief interlude in the balcony when the ECSO youth orchestra and string ensemble were allowed to filter into the back of the Garde during the performance.

(It should be noted that the young people were a great addition to the orchestra as it played the national anthem to start the season, and it was wonderful to see them in the audience as well, but perhaps the ECSO should have allowed more time for them to get from the stage to their seats.)

Two other pieces on the night, Maurice Ravel’s “Rapsodie espagnole” and Christopher Rouse’s “Rapture,” were equally engaging.

"Rapture," one of the few ECSO performances featuring a living composer, is a real find, starting out as a tone poem solidified by the ostinato line of the double basses and featuring bird-like melodies in the flute section as well as the interesting juxtaposition of the bassoon and violin.

As the tempo gradually increases throughout the piece, the brass and percussion sections become more prominent, with the unusual scoring calling for a bass drum, triangle, tam-tam, chimes and glockenspiel. The unusual combinations in the percussion section combined with the gradually increasing tempo required a circus-like performance by Shimada, who brilliantly cued players and held the sections together as the piece came to its thrilling and beautiful ending.

Ravel’s masterpiece, a big and brooding homage to the composer’s Basque heritage, needed no introduction to the ECSO crowd, and as with other works on the night Shimada did not offer one, an unusual departure for the maestro. Instead, he let his players do the talking, spinning out a dramatic interpretation of the Spanish melodies, full of fire and rhythmic perfection featuring castanets and the tambourine. The final festival movement brimmed with lively playing, particularly in the woodwinds, bringing the evening to an exciting and upbeat conclusion.
Музыка - это не профессия.

Прошли годы после отъезда Светланы Смолиной из Нижнего Новгорода, но меломаны помнят, какие аншлаги собирала эта симпатичная серьезная девочка, абсолютно совершенная на сцене. Получив блестящее образование в США и Европе, она стала звездой мирового масштаба, но при всей своей востребованности на ведущих концертных площадках не забывает и родной город.

Не так давно урожденная нижегородка, сормовичка Светлана Смолина приезжала с концертом в Нижний Новгород. Вместе с санкт-петербургским виолончелистом, заслуженным артистом России Олегом Сендецким она выступила в старом актовом зале Университета, вновь поразив слушателей красотой звука и общим благородством игры.

Конечно, нижегородский визит Светланы был донельзя насыщен и работой, и личными встречами, но она сумела найти время для интервью и рассказать корреспонденту «НН» о своей жизни за границей.

К цели - кратчайшим путем

- Общепринято считать, что у детей, посещающих музыкальную школу, «нет детства», потому что все время они проводят за ненавистным инструментом. Как обстояло в вашем случае?

- Я начала учиться специальному фортепиано в одиннадцатой музыкальной школе у Людмилы Борисовны Мёдовой и Людмилы Николаевны Ходаченко. Заниматься меня никто и никогда не заставлял, так что детство - было! Ну, что значит «было»… Я училась в физико-математической школе №82, сейчас это лицей, и учеба там была достаточно серьезной. Вообще я поздно сделала выбор в пользу музыки: до двенадцати лет и не думала, что это будет «мое», так что первые лет пять занималась практически для собственного удовольствия. Очень любила быть на сцене. Уже в первый год обучения мы играли камерные концерты Баха, я была в составе и трио, и квартета, и выход на сцену для меня всегда был большим праздником. Я всегда чувствовала энергетику зала и, думаю, именно это чувство дало посыл к решению стать музыкантом. Энергообмен между солистом и публикой несравним ни с чем, подобного нет ни в одной профессии.

А в пятом классе меня показали Наталье Николаевне Фиш, и на первой встрече с ней я исполнила самый настоящий концерт, развернутую художественную программу: этюды Шопена, сонаты… Когда она взяла меня в свой класс, то, помню, целых полгода не разрешала играть ничего кроме упражнений и этюдов, что меня, конечно, возмущало. Но после я стала безумно ей благодарна: Наталья Николаевна очень быстро поставила мне технику и исправила некоторые недостатки, бывшие до того незамеченными.

- Расскажите, пожалуйста, подробнее о ваших занятиях в классе этого легендарного педагога.

- Наталья Николаевна – необыкновенный человек, о ней можно – и нужно! - написать книгу. От нее идет невероятная энергетика, меня лично заряжающая на целый год! Во мне, как и во всех своих учениках, она воспитала любовь к музыке и привила нам неоспоримую истину: музыка – это не профессия, а жизнь.

Наталья Николаевна особо обращает внимание на то, как ученик способен сам подготовиться к выступлению на сцене. Ведь рано или поздно мы останемся без профессоров. Это психологически настраивает на правильную волну: какой бы ни был удачный концерт, ты понимаешь, что всегда можешь сделать еще больше… и делаешь еще больше.

Она воспитывает гения в каждом. В любом ребенке есть талант, просто не все и не сразу могут это определить. А Наталья Николаевна видит потенциал каждого ученика и помогает ему индивидуальным подходом, раскрывая не просто пианиста, а личность. Нередко по тем или иным причинам ученики копируют своих профессоров, так что с закрытыми глазами можно угадать, кто у кого обучается, а вот в классе Натальи Николаевны все играют по-разному, каждый в своем стиле.

В нашем классе не было деления на «звезд» и «не-звезд». Всех учеников Наталья Николаевна держит вместе, как большую семью, и мы учимся друг у друга.

Многие профессора учат от урока до урока, натаскивают на хорошее выступление, на экзамен. Не более. Наталья Николаевна, разумеется, дает технику, учит всем стилям, невероятно развивает учеников в пианистическом плане. Но также следит, чтобы мы книжки читали, в музеи и театры ходили бы и многое другое. Ведь быть хорошим музыкантом – это не только уметь играть на пианино, но знать историю, культуру, архитектуру, живопись. А главное - она привила нам безграничную любовь к тому, чем мы занимаемся. И это единственно верный путь: нельзя воспринимать музыку как работу. Это должна быть стихия... действительно, как любовь – первая и последняя!

- Намного ли больше вам пришлось заниматься, когда вы перешли в класс к Наталье Николаевне?

- Больше – не значит лучше. Важно качество занятий. Ребенку-музыканту на этом этапе необходима помощь старших профессионалов, которые помогают поставить правильную цель и достичь ее максимально эффективным путем. Играть «много» необязательно. Рахманинов занимался по три часа в день, Денис Мацуев работает примерно столько же. Очень интересно заниматься без нот и без рояля. При таких штудиях произведение воспринимается по-другому: выстраивается его структура, продумываются эмоции, подход к кульминациям.

Однажды мне пришлось за час запомнить наизусть вторую часть Первого концерта Рахманинова, сидя в библиотеке - просто за столом, без инструмента. Наталья Николаевна сказала просто: «Даю час. Вернусь – раскрою ноты на любом месте и проверю». Как назло, в тот час в училище не было свободных роялей, так что пришлось учить – и выучить! - без инструмента.

- Раз уж вы начали приоткрывать профессиональные тайны, скажите: что еще важно во время занятий?

- Очень важно держать себя в концертном настрое, представляя, что ты играешь на сцене, а не в классе. Тогда продуктивность повышается на двести процентов, а время занятий соответственно уменьшается на много часов.

Я часто занимаюсь в самолетах, в поездах и вообще в длительных поездках просто с нотами в руках, подобно дирижеру, обдумывая краски, фразировку, форму и прочее. Это всегда ставит голову на место. Да и вообще для музыканта очень важно быть готовым играть в любых условиях без разыгрывания и прочих приготовлений. Нередко я специально ставлю себя в экстремальные условия, даже когда есть возможность для нормальных занятий – и открываю в себе экстренные «волшебные силы», о наличии которых раньше и не подозревала... и это неизменно приятные открытия. Это умение я совершенствую по сей день. Ведь жизнь артиста - почти всегда экстремальное бытие между поездками и сценами на фоне вечной нехватки времени.

Одним словом, самое важное в занятиях - правильно настроить собственную голову. И, при полном высвобождении своих эмоций во время исполнения, уметь себя контролировать даже в моменты максимальной свободы и экстаза.

Учиться по-русски

- Расскажите, пожалуйста, как произошел ваш отъезд из России?

- Когда я была студенткой третьего курса музыкального училища, то ездила на консультации к профессору Московской консерватории Сергею Доренскому: были планы поступать в его класс. Но в это же время мне посоветовали показаться еще одному московскому профессору, Александру Торадзе – он играл в программе «Белых ночей» у Гергиева, был победителем клиберновского конкурса и как раз в том году набирал класс в Индианский Университет. После прослушивания он предложил поехать учиться к нему на полную стипендию. И мне пришлось экстерном, за два летних месяца, пройти еще один год училищной программы, чтобы получить диплом о среднем специальном образовании.

Александр Торадзе стал для меня, как и для всех своих учеников, не только профессором, но и близким другом, и в некотором смысле папой, и помог сделать решающий шаг на мировую сцену. Он вообще здорово помогал в этом отношении своим студентам – а это, между прочим, нечастое качество у профессоров – например, организовывая ученикам концерты в самых престижных залах и в программах фестивалей, где участвовал сам. Также мы, воспитанники класса Торадзе, играли концерты-марафоны: устраивали вечера всех фортепианных произведений того или иного композитора и выходили к инструменту по три-четыре раза кряду, а концерты иногда длились по семь-восемь часов и заканчивались после половины второго ночи! Они так и назывались, Toradze Studio Piano Maraphones, и это было незабываемо! Такой опыт плюс щедро предоставляемые возможности выступать на крупных мировых сценах во время обучения у Лексо - так мы звали нашего любимого профессора - дали мне неоценимый практический опыт. Я поняла, как вести себя на сцене как готовиться, как заниматься. Ведь умение играть на сцене не придет к пианисту, когда он просто сидит в классе.

В итоге я, хотя и учились в Индиане, получила отнюдь не американскую школу, потому что Торадзе – московский профессор. Затем я училась в Брюсселе, и тоже у московского профессора, Евгения Могилевского.

- То есть «русская школа» – понятие, уже не привязанное к географии?

- Да, сегодня практически во всех странах мира можно найти русских наставников, и даже уехав из России, не потерять ни учебную базу, ни собственное сердце.

- И все же: сильно ли отличается русская база от европейской манеры?

- В течение трех лет я специально училась «играть по-французски» у французского преподавателя. Мне была интересна европейская школа пианизма, и моим педагогом стала Моник Дюфиль - лучшая ученица Маргарет Лонг, прямая продолжательница традиций Альфреда Корто. Это было ново, интересно… и тяжело. Бывало даже, что я плакала на уроках. Сложность заключалась в том, что в русской школе принято раскрываться и выплескивать все эмоции, а французская школа холоднее, отстраненнее; там другой звук, другие приемы звукоизвлечения. Но в итоге научилась и этому. Очень полезно знать на практике разные мировые школы: не только безусловно великую русскую, но и не менее выдающуюся школу европейскую. Сейчас это пригождается мне и в концертной деятельности, и в преподавании.

Драгоценный дебют

- Директор нижегородской филармонии Ольга Николаевна Томина вывела практическую примету: тот, кто дебютировал на кремлевской сцене нижегородской филармонии, наверняка станет выдающимся музыкантов. Готовы ли вы подтвердить это собственным примером?

- Конечно! Я была стипендиатом «Новых имен». До того выиграла международный конкурс в итальянском городе Сенигаллия, и после этой, первой международной победы Ольга Николаевна пригласила меня выступить в программе Сахаровского фестиваля. Я играла первый концерт Рахманинова, дирижировал Александр Михайлович Скульский. Это было очень важным для меня выступлением, хотя бы потому, что в зале сидел Ростропович и еще ряд выдающихся музыкантов. После концерта Мстислав Леопольдович пришел за кулисы, обнял меня, поцеловал, поздравил с выступлением, пожелал мне удачи в дальнейшей карьере... А еще Ростропович и Скульский расписались в нотах, и эти ноты хранятся у меня до сих пор.

Каждый раз, бывая в Нижнем Новгороде, я с неизменно благоговейным трепетом проезжаю мимо филармонии и посылаю ей воздушные поцелуи. И, конечно, с особыми чувствами выхожу на филармоническую сцену. Там мне нередко предоставлялась возможность выступать с оркестром и это, конечно, дало очень важный, незаменимый опыт. Последний раз я играла у вас два года назад.

- Чем вы занимаетесь в настоящее время?

- Я веду активную концертную деятельность. Много гастролирую как солистка, играю камерную музыку в дуэтах и ансамблях. В этом сезоне играю с оркестрами в Коннектикуте, Вирджинии, Флориде и Калифорнии, выступаю на фестивалях в Южной Америке, Европе и в Азии. Запланированы концерты с оркестром Dublin Philahrmonic в Китае и Индии, с Orchestrе de Bretagne во Франции и Азии, и еще одно оркестровое выступление - в Буэнос Айресе, в знаменитом Teatro Colon.

Много преподаю. Была приглашенным профессором в двух университетах – Вестчестерском в Пенсильвании и Темпльском в Филадельфии; сейчас веду класс в Центральной музыкальной школе Нью-Йорка – правда, нагрузка небольшая, всего день-два в неделю: родители не любят, когда педагог уезжает. Есть и частные ученики.

Еще уже семь лет, как я являюсь директором международного Филадельфийского фестиваля фортепианных программ. Заявки на участие в этом фестивале подают пианисты со всего мира, в том числе из России, и я приглашаю всех желающих поучаствовать в нем! Есть возможность играть сольные и оркестровые конкурсы, получать мастер-классы от концертмейстеров знаменитого Филадельфийского симфонического оркестра и состязаться за получение премии – это и выступления с оркестром, и стипендия.

Сейчас я приглашена к сотрудничеству с двумя китайскими университетами.

- Наслышана о «культурной революции» в Китае. Расскажите, пожалуйста, что там происходит в области музыки?

- Каждый раз, когда я приезжаю туда, вновь и вновь получаю шок от музыкального прогресса. Китайцы строят колоссальные, великолепные в акустическом смысле концертные залы, приглашая лучших в мире аудиоинженеров. Steinway открывает в Китае большое представительство, потому что там – подумайте только - ажиотажный спрос на хорошие дорогие рояли! На концертах – аншлаги, потрясающая публика, очень много молодых людей. С интересом и благодарностью слушают любые программы, после концерта час-полтора раздаешь автографы… Словом, там сейчас потрясающий подъем интереса к классической культуре, причем всё это происходит с подлинным энтузиазмом: не просто детей массово принуждают заниматься, но вся страна живет музыкой. Невероятно! И, конечно, что неудивительно, китайские музыканты сейчас везде: это очень талантливая нация, к тому они усердно учатся, приглашают очень много профессоров и из России, и из Европы. Так что сейчас только одних пианистов в Китае семьдесят миллионов.

С роялем и в тонусе

- Сумели ли вы приспособиться к американской жизни, которая, как понимаю, очень отличается от российской?

- Да, отличается, и очень. Но я в Америке живу уже достаточно долго и вполне адаптировалась. Я прошла четыре американских университета, обрела очень много друзей и коллег. Немало в Америке и русских… и, конечно, имеется очень большая конкуренция: в том же Нью-Йорке собралось огромное количество гениальных музыкантов! С одной стороны, это питает, с другой – постоянно держит в тонусе.

Конечно, первый год было сложно. Я часто звонила домой. И мама говорила: «Ну, давай не прямо сейчас. Давай ты завтра уедешь». Так весь первый год она меня там и продержала, а потом я привыкла и поняла, что передо мной открыты большие возможности.

- А как вы устроились в материальном плане? Есть ли у вас, всемирно известной пианистки, хотя бы собственный дом с бассейном?

- Нет, дома с бассейном у меня нет (смеется). Есть свой рояль – и на том спасибо. Я снимаю квартиру в Нью-Йорке, а также мне предоставляют жилье в Филадельфии, потому что постоянно езжу между этими двумя городами.

- Соседям ваши ежедневные занятия не мешают? Не стучат они в стену, требуя прекратить игру?

- По-разному. Некоторым соседям мои занятия нравились и они, наоборот, просили, чтобы я играла побольше. Там где я живу сейчас, первые полгода были жалобы. Дело в том, что подо мной живет медсестра, которая работает в скорой помощи и часто выезжает в ночные смены, а днем спит. В итоге мне пришлось поставить на рояль специальную систему, благодаря которой можно заниматься в наушниках. Сейчас ею пользуются многие музыканты. Особенно в Нью-Йорке!

Справка

Светлана Смолина родилась в Нижнем Новгороде, окончила музыкальную школу №11 и нижегородское музыкальное училище им. М. А. Балакирева по классу фортепиано (класс заслуженного работника культуры Натальи Николаевны Фиш). Первый сольный концерт дала в восемь лет.

Стипендиат программы «Новые имена».

С 1995 года живет в США.

Училась в Индианском университете (класс Александра Торадзе), в Брюссельской Королевской консерватории (класс Евгения Могилевского), в консерватории Обердина (класс Моник Дюфиль). Получила степень Doctor of Musical Arts как пианистка в Мичиганском университете (класс Артура Грина).

Ведет активную концертную деятельность, принимает участие в знаковых музыкальных фестивалях.

Мария ФЕДОТОВА. Фото из личного архива Светланы СМОЛИНОЙ.

На фото: Это концертный зал Arsht Performance Art Center в Майами. Светлана Смолина часто играет там с оркестром.
Blueberry Musica
Argentinian famous blog "Blueberry Musica" invited Svetlana to give an interview prior her recital at CCK Symphony Hall:
http://blueberrymusica.blogspot.com.ar/2017/10/nos-encontrabamos-aguardando-en-el.html
http://blueberrymusica.blogspot.com.ar/p/blog-page.html
The Concert. With Russian pianist Svetlana Smolina at the Teatro Lirico di Cagliari
Russian Pianist Thrills Members at Concert
LIFESTYLES
Review by Kay Anthony
Every once in awhile, members of Ponca City Concert Association are surprised and thrilled to find just one of the concerts during the season is more than worth the whole membership. Hearing critically acclaimed Russian pianist, Svetlana Smolina on March the 19 on the Poncan Theater stage was the one for me this year. I had read that she was an outstanding pianist with a luxuriant tone, that had impressed critics and audiences the world over, but I was not prepared for the amazing talent Live on Stage and our board members had booked for us.
Just for fun, during the intermission, I decided to ask as many people as I could for a one word adjective to describe how they had felt about the concert thus far. Some of the many comments, most similar in meaning, but all having their own special take were awesome, excellent, fantastic, wonderful, enchanting, marvelous, mesmerizing, brilliant, intense, scintillating and wow! One could not just say one word and said simply, “a stellar performance”.
Others wanted to comment on her appearance, which was over the top. The statuesque beauty had long blonde hair down to her waist, and easily could have been a model. The first half she appeared on stage in a floor length tangerine ball gown, and the second half, changed into a teal/blue sequined gown that she said she had put on especially for her performance of “Blue Danube”. When she played it later, we would not have cared what she had on, but were truly transported to the Danube River as she played a most difficult arrangement of the complete Strauss waltz. In introducing the number, she said when she was first given the score, she looked for the other piano part because there were too many notes for one pianist. Somehow, she mastered the arrangement and it truly was one of the favorites of the evening.
A grouping of pieces from Tchaikovsky’s “”Nutcracker Suite” was especially fun to hear in piano arrangements rather than with a full orchestra. The well known “March” followed by “Dance of the Fairy Draget” conjured up pictures of the ballet, but “Trepak” at the end was so fast and furious I had trouble imagining someone being able to dance that fast. It was a great way to end this suite and was over almost before it began.
Other selections from Chopin, Schumann, Shubert and Balakirev were equally played to perfection but too numerous to comment on all individually in this review. However the Balakirev number was, according to Svetlana, one of the hardest pieces in piano literature, and she said she had to work the most on it, and shed many tears, in learning it. To say the least, this practice paid off and it was incredible.
Born in Russia, but having been in the United States for some time, she still had a Russian accent, but managed to communicate with us exceptionally well as she explained about each of the works in detail. I reminded a few who said they couldn’t understand everything she said, how hard it would be for us to be in Russia and try to do the same thing to their audiences, speaking their difficult language! I gave her an “A” for effort and thought she was charming, and appreciated her ability to laugh at herself. One very endearing statement she made that we all understood was the fact that she loved playing in our breathtaking Poncan Theater and said she had been in few concert halls as beautiful as ours, and hoped that we appreciated it, and would really like to be invited back. In many classical concerts, there are a string of lengthy compositions, some by composers at least I had not heard of. However, Svetlana chose familiar composers and pieces for the most part that we could identify with and really enjoy her renditions of them. Another audience favorite was Franz Liszt’s “Liebestraum”, sometimes called “Dream of Love”. People who have visited European countries were again transported to the country and many memories came to our minds upon hearing such classics. Another in this same vein was Bizet’s opera, “Carmen”, which took place in a cigar factory in Seville, Spain with a bull fighting theme. This piece happened to be her last one, and her whole demeanor changed as she threw herself into the bull fighting section. The whole number was emotion packed and as she said, usually was a show stopper. She teased that she hoped we would still remember other numbers she had played prior to the last one.
Although she didn’t give an encore performance, she received a standing ovation practically before this last number was over. We all wished for more, but knew this special concert had to come to an end and I am quite sure not one in attendance left not thinking they had been highly entertained by one of the best.
The last concert of the season, Stringfever, will be on April 14 at which time memberships for next season will have been sold and those holding new memberships will be admitted to this concert too.
Information on the drive will be in The Ponca City News soon, but those wanting it now can call Leslie Rardin at 765-3971.

http://assets.mediaspanonline.com/prod/12797521/pcn-2016-03-23-a-006.pdf
Four unfinished portrait in Nizhny Novgorod Philharmonic society
October 21, 2015

"Four unfinished portrait" - a music subscription with the same name opens tomorrow night in the Nizhny Novgorod Philharmonic. The first concert dedicated to Sergei Rachmaninoff. Today the artists had a final rehearsal. It was visited by the film crew of the program "Vesti - Volga region".

{avsplayer videoid=13 playerid=3}
Svetlana Smolina brilló en Lima
http://elcomercio.pe/blog/operaperu/2015/10/svetlana-smolina-brillo-en-lima

(Ópera Perú) La pianista rusa Svetlana Smolina hizo una particular y muy intensa presentación este jueves 24 de setiembre en el Auditorio Santa Úrsula.
El evento fue especial ya que la joven intérprete dedicó al público limeño un programa doble, algo muy inusual en las salas de concierto. En la primera parte, Smolina ofreció un recital de piano en el cual demostró su versatilidad interpretando obras de Tchaikovsky, Schumann, Chopin y Liszt. Esta obras tenían como tema conductor el amor. Hablamos de la suite “Cascanueces” de Tchaikovsky, Scherzos de Chopin, “Widmung” de Schumann, y “Liebestraum” de Liszt. Todas las obras fueron aplaudidas efusivamente.
En la segunda parte Smolina interpretó el famoso segundo concierto para piano y orquesta de Rachmaninov, junto a la nueva Orquesta FIlarmónica Teresa Quesada, la cual está conformada por los mejores músicos del país. La orquesta estuvo bajo la dirección el experimentado Pablo Sabat.
Así es como Svetlana Smolina mostró su versatilidad y talento en un programa intenso que dio grandes satisfacciones al público.
Monaco Matin
Opera de Monte Carlo, Monaco. Recital with Vadim Repin for Prince Albert II Foundation
Examiner / Entertainment & Arts
Review from the recital with Vadim Repin, Koerner Hall, Royal Conservatory, Toronto, CA
http://www.examiner.com/review/vadim-repin-tears-it-up-at-koerner-hall
South Florida Symphony tour

Wednesday, 21 November 2012 20:11

Jen Creed and Svetlana Smolina explore diverse musical repertoires on November 28.

Visit please Live Connections for details.

Philadelphia 11/07/2012 — Applying her four-octave range and opera background to classical, pop, rock and musical theater genres, Philadelphia singer Jen Creed lends a singer-songwriter interpretation to concert pianist Svetlana Smolina’s dynamic playing in a ClassicAlive concert on November 28. Showcasing their classical roots and a shared appreciation for great American works, the two performers will explore a diverse musical landscape with a repertoire encompassing the music of Rachmaninoff, Gershwin, Bernstein and originals from Creed’s new album, Goodnight is not Goodbye. The ClassicAlive series is presented by innovative music nonprofit LiveConnections and takes place at partner venue World Cafe Live in Philadelphia.

“Jen and Svetlana are both fearless musicians who are very open to trying new things and new musical combinations,” said Mary Wheelock Javian, ClassicAlive curator at LiveConnections. “They’re both classically trained musicians, but there was no hesitation on either part when they started pushing their collective musical boundaries to meet in the middle of their repertoires.”

Creed, a classically trained singer who teaches voice at Merion-Mercy Academy in Philadelphia, pulls from a diverse musical background that led her from opera and jazz to Broadway national tours. Most recently, she’s been diving in to the singer-songwriter genre with Goodnight is not Goodbye, her first album to explore more contemporary vocal styles. Her intimate interpretations of artists including Tom Waits, Van Morrison and Bruce Springsteen have been heard in venues from her native Philadelphia — including previous appearances at World Cafe Live — to cabarets in New York City. She will perform several original songs from Goodnight is not Goodbye, accompanied by a piano, bass and percussion trio with whom she frequently performs.

Smolina, originally from Nizhny Novgorod, Russia, has performed with orchestras and as a recitalist in concert halls worldwide. Currently the Samuel Barber artist-in-residence at West Chester University of Pennsylvania’s School of Music and a faculty member with the Philadelphia International Music Festival, Smolina also regularly plays with Kimberly Fisher, principal second violinist with the Philadelphia Orchestra. Smolina will perform several solo works from her classical repertoire in the concert, including a Kapustin "Jazz Etude" from her native Russia.

Together, the duo will explore works from both of their native countries. Smolina will join Creed in great American works by Gershwin and Bernstein, while Jen will join Smolina in Rachmaninoff’s iconic "Vocalise." The two will also perform songs off of Creed’s album.

“ClassicAlive concerts are designed to blur the lines between genres and show you the entire range of the artist, not just what made them well-known,” Javian said. “They’re a chance for musicians to play for new audiences; for Svetlana, that meant sharing one of the great Chopin 'Ballades' with people for the first time, as well as trying out new repertoire and styles of playing. For Jen, it provided an opportunity for her to share her background in classical music with her fans who know her as a singer/songwriter. The fact that these artists truly collaborate throughout the process is what makes these series unique.”